картины

Отличное искусство в стиле фэнтези, фантастики, сюрреализма и т.д. Фантастический жанр в наше время - очень интересное направление в изобразительном искусстве и многие художники являются достойными представителями этого направления, которые активно развивают темы выдуманных миров. Нереальные, мощные, впечатляющие картины, в которых есть всего понемногу. Здесь немного треша и ужаса, мистика и размышления о ценности жизни, красочная палитра и мягкий свет, тщательно продуманные образы и безграничная фантазия.

Tomasz Alen Kopera (Томаш Ален Копера) - польский художник. Родился в 1976 году. В настоящее время проживает в Ирландии, где имеет собственную студию. Является участником арт-коллектива Libellule Group. О своих картинах Томаш Ален Копера говорит, что это не фантазии сумасшедшего и не дань моде, а исследование глубин человеческого подсознания при помощи искусства.

Алан Гиана родился и вырос в Коннектикуте, Алан всегда хотел быть художником.
Его уникальный и красочный стиль сделал его одним из самых популярных сегодня живописных художников. Его произведения появились на обложках книг, журналов, детских игр, музыкальных компакт-дисках, и были опубликованы в ряде книг и журналах для демонстрации лучших в традиционной и цифровой аэрографии иллюстрации.
Работы этого мастера изображений получили множество наград, в том числе Pro-Comm Премии образцово-показательного Бизнес-ассоциации Маркетинга, премьер-министр Печати Награда Полиграфической Промышленности США. Картины Алана были выставлены в многочисленных галереях и выставках по всей стране, В том числе Delaware Art Museum.

Любовь Алана к природе и морю всегда была большой частью его жизни. Свою признательность за ту красоту, которая окружает нас, даже в наших собственных дворах, играет важную роль в создании произведения искусства. Его картины это красочные пути очаровательных загородных закоулков, спокойствие прибрежных вод, и пленительные рождественские сцены. Он изображает те места, где можно отвлечься на минуту и оценить все красоты вокруг нас.

Медведи удивительные животные, они живут в целом довольно мирной спокойной жизнью, когда находятся в дикой природе. И, кстати, мало кто знает но строение скелета медведя очень похоже на строение скелета человека. А есть даже упоминания в легендах, что медведи были намного разумнее. И хотя сейчас медведи выглядят просто как и многие другие животные, они не так просты. Возможно это и хотел отразить в своих картинах Роберт Бисселл.
Роберт Бисселл (Robert Bissell) вырос в сельской местности в Англии, работал коммерческим фотографом. Сейчас живет в Калифорнии (США) и увлекается рисованием. Его образные картины из жизни животных очень необычны, ведь на самом деле он изображает на них человеческие чувства.

Фрейдун Рассули (Freydoon Rassouli) - мистический художник-визионер иранского происхождения.Яркие сочные оттенки, цвета, образующие спирали, придают его работам ощущение бесконечности, уходящей куда-то вглубь.
Эту уникальную манеру, которая объединяет всё без исключения, его работы, художник называет "фужн-арт" (Fusionart) - стиль, придуманный им самим. Главная тема - космическое единство.

Стиль художника отражает собой черты мистицизма Ближнего Востока, хотя и воплощенные в европейской живописной манере.

Freydoon Rassouli – американский художник иранского происхождения, который родился в 1943 г. в Исфахане. Рисовал и писал стихи с раннего детства, а в 15 лет был награжден правительственным грантом для изучения живописи в Европе. В 1963 году художник решил эмигрировать в США, где продолжил изучать живопись и архитектуру в университете Нью-Мексико. Профессиональную карьеру начинал как архитектор. Техника живописи Rassouli известна как Fusionart – авторский стиль, которому в настоящее время он обучает студентов в Южной Калифорнии.

Космическое единство - главная тема Fusionart. Стиль возрос на почве мистицизма, восточной духовности и основывается на европейской технологии живописи. Freydoon Rassouli мистик и талантливый педагог. По его словам, мощными творческими стимулами для него являются медитации на рассвете, наблюдение за восходом солнца в естественной обстановке, а также воображаемые мистические путешествия по ночному небу.
Цитата Freydoon Rassouli: "Творение является продуктом синхронизации наших энергий со Вселенной. Когда мы получаем опыт единения и распознаем его, мы начинаем осознавать, что сами являемся Божественной Творческой Силой".

Американского художника Дональда Золана (Donald Zolan) можно назвать одним из самых добрых, позитивных и чувственных современных живописцев. Ведь такие картины, которые выходят из-под его кисти, способен творить только очень чуткий человек с большим и любящим сердцем.
"Я люблю маленьких детей, как загораются их глаза, с волнением, как они пробуждаются к окружающему их миру. Это чудесное время жизни, заполненое удивлением. Время, когда каждое новое открытие является магическим моментом".
Дональд Золан, художник в пятом поколени, проявил интерес к рисованию, когда ему было около 4-5 лет. И несмотря на то, что все дети в этом возрасте обожают возиться с красками и фломастерами, к 10 годам у него стали получаться достаточно профессиональные работы.
В 13 лет он даже умудрился выиграть престижный Чикагский конкурс, где премией была стипендия одного из художественных вузов города. С тех пор Дональд Золан не расстается с мольбертом, а его вдохновением по-прежнему являются картинки из счастливого детства.

Художник родился в 1942 году в Мадриде в семье музыкантов симфонического оркестра. Когда ему было 8 лет, вся семья переехала в Мехико, где он начал рисовать, участвовал в конкурсах и даже сыграл в телесериале. В 13 лет он получил первый приз на национальном конкурсе, а в 17 начал сотрудничать с телевидением в производстве обучающих и развлекающих телепрограмм.

Закончив учебу и получив степень по дипломатическим и политическим наукам (интересно как это?))), Casay получил назначение консулом Мексики в Лос -Анджелес , штат Калифорния.

Именно тогда он начал писать морские пейзажи . Работы Энтони Casay начали быстро продаваться на территории США. В настоящее время его работы находятся во многих частных собраниях (например в королевской семье Ирана), в музеях (таких как Лондонская галерея Harrods).

Художник Марк Китли (Mark Keathley) родился 23 апреля 1963 года на семейной ферме в Восточном Техасе, там же и вырос. Он получил множество наград, включая «Народную премию», которую получил дважды в Texas Ranger Hall of Fame Show в 1987 и 1988 году. Кроме того на его счету золотые и серебряные награды по живописи. И золотая награда за картину, которая теперь хранится в Музее Старого Запада в Шайенн, штат Вайоминг в 1991 году.

Живописец Айдемир Саидов родился в городе Тихорецке Краснодарского края 29 марта 1979 года в семье художника. В 2000 году окончил Краснодарское художественное училище. В 2006 году окончил СпбГАИ живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина , мастерская живописи О.А Еремеева (академия художеств). В настоящее время художник живёт и работает в Санкт-Перербурге. Айдемир Саидов - признанный мастер классической школы письма, ему интересно работать в разных жанрах : натюрморт, фигуратив. Последнее время художник плодотворно работает в жанре пейзажа.Его горы, окутаные магическим сиянием солнца, восхищают зрителя непревзойдённым талантом!Живопись Айдемира Саидова наполнена поэтическим звучанием.

Художник владеет искусством отображения «потока непрерывной песни» природы.
Милинда Найяка вдохновляет сама природа. Яркие оттенки в его работах говорят о том, что дерзко смешивая цветовую палитру, он получает от процесса творчества истинное удовольствие. Отношение художника к цвету является ртутным. Цвет появляется под его рукой в виде тени и солнечного света, спутанных таинственных ветвей и обильного цветения весны. Независимо от того, что он использует, пастель, смешанную технику или даже воду, цвет, его цвет сам по себе не стремиться к скромности. Милинд Найяк провозглашает радость жизни, сути существования в природе и в человеке.

Жизнь у артиста не выражается через вещи, объекты или формы. Она проступает на его картинах через чувство и эмоции. Он рисует не то, что мы видим, а то, что мы чувствуем, когда видим небо, осязаем свет, его игру. Когда ощущаем, как он проходит через нас, как его фильтруют залитые солнцем листья. Когда мы не видим солнце, то все равно ощущаем его присутствие и видим, что его путь – это исток. Он дарит жизнь Земле, экологичной свежей зелени, густой листве, нежным цветам и в конечном итоге – человеку.

Он рисует лунный свет. Его магия млечного пути дарит ощущение ночного неба, когда замирает все вокруг, даже наше восприятие. Ранее утро дарит чистоту солнечного света, его карамельные дневные ​​оттенки и его способ отражения действительности сродни детскому баловству, словно ребенок рисует свои впечатления на коре дерева, пруду или на сплетении ивовых ветвей.

Вы услышите шепот листьев, гудение мироздания и вздох насыщенных молчанием звезд. В своих произведениях художник создает этот резонансный мир с палитрой, которая является первичной, инстинктивной, а не изученной и надуманной. Он не является художником, использующим какой-либо метод, его живопись полна магических скачков, напряжения, смятения и мира, вдохновения и пытливого взгляда на мир.

Он постоянно пытается изобрести свою технику и экспериментирует с различными средствами, создавая картины: акварель, масло, масляная пастель, графит, фотографии и цифровая печать.

Он считает, что черно-белые картины трудно продать, но занимается искусством для себя, а не для других. Деньги не имеют значения, и их не так много, как и его работ.

«Я всегда рисовал», – говорит Найяк, объясняя свою любовь к искусству. «Мои работы не зависят от цвета и денег. Они мое самое большое богатство».

В последнее время он почувствовал, что пришло время, чтобы показать некоторые из своих работ, поэтому согласился обнародовать их в 2008 году.

Чаще всего Найяк работал с графитовыми палочками и ластиком. «Графит является самой чистой формой углерода. Она имеет тот блеск, который не могут передать другие материалы. Я пристрастился к нему», – говорит он, подчеркивая, что когда рисует, то использует ластик чаще, чем графит: «Я рисую, а затем приступаю к работе с ластиком, пока не получу то, что я хочу».

Он говорит, что вынужден был сделать перерыв в творчестве, чтобы заработать деньги для семьи. «Я не рисовал, чтобы поддержать свою семью, делая фотографии. Я многое узнал от этого процесса, но это не мой формат. Я понял, что годы проходят, а я не могу жить без своих картин, без краски. Вы не можете быть статичными на протяжении всей жизни. Вы должны развиваться, и я понял, что пора возвращаться».

По словам Милинда, его «картины – это грань между ландшафтом и его содержанием. Были периоды, когда картины были спокойными, как спокойна вода, и времена, когда они становились глазами бури. Я отверг идею о стилистической последовательности в пользу всеохватывающих изменений, и мое искусство постоянно развивается».

Найяк родился в Удупи (город в индийском штате Карнатака) в 1954 году и является художником-самоучкой.

Милинд Найяк зарекомендовал себя как один из лучших художников Индии. Его работы украшают дома коллекционеров в Индии, Англии, Германии, Польше, Ирландии, Шотландии, Голландии, Малайзии и США. Он также представлен в корпоративных коллекциях и провел более тридцати персональных выставок, включая три шоу в США. Участвовал в групповых выставках в Лондоне.

О его картинах существуют различные мнения. Их описывают как «...необработанный импульсивный поток творчества» и «последовательность лирических и запоминающихся картин с естественным потоком цвета». Зрители чувствуют, что его произведения – это «буйная волшебная реальность, яркая лихорадка, которая отражает поток непрерывной песни», и ее поет сама жизнь.